Entre as opções de novelas infantis que o SBT tinha disponíveis para adaptação, a autora Íris Abravanel comentou sobre a escolha por Cúmplices de um Resgate:
“Tive a ideia, a partir do momento em que percebi que já tínhamos no SBT a atriz perfeita para fazer as personagens das gêmeas, Manuela e Isabela. Cúmplices de um Resgate foi a novela escolhida para que a Larissa Manoela fosse a protagonista, sem dúvida nenhuma.”

Para a adaptação, Íris criou novas tramas e personagens.
“Dramaturgicamente demos mais agilidade ao ritmo da novela, criamos mais conflitos, além dos que já existem na original e, sim, adaptamos boa parte das situações usando recursos tecnológicos atuais. Não dá para ignorar que a tecnologia faz parte da vida dos jovens hoje. Celulares, tablets e computadores serão utilizados no decorrer da novela.”

Em comparação com as novelas infantis anteriores da emissora (Carrossel e Chiquititas), esta possui mais tramas adultas.
“Nosso público é a família. A novela tem história e conflitos para todas as idades. (…) Cúmplices possui um elenco mais adulto e aborda temas um pouco mais delicados do que as tramas anteriores. Mas tomamos o cuidado de manter a leveza da novela, expondo esses dramas sem agredir a ninguém e sempre mantendo o bom humor. Outra medida tomada para equilibrar a parte infantil da novela, foi crescer as tramas desses núcleos”, esclareceu a autora.

Para o bem-estar do elenco mirim, as crianças gravam no máximo seis horas por dia e, para qualificar o desenvolvimento desses novos profissionais, o SBT disponibiliza uma equipe especializada para acompanhar o dia a dia delas. Pedagoga, fonoaudióloga, psicóloga, preparador de elenco (o ator Ariel Moshe), professora de canto e instrumentos musicais e pediatra estabelecem um diálogo diário com o elenco e também com os pais dos atores mirins.

Inicialmente, a novela iria estrear em julho de 2015, mas um acidente com Larissa Manoela atrasou o cronograma, já que ela precisou ficar em repouso. A atriz caiu de um cavalo numa gravação em Atibaia, São Paulo.

Outro diferencial da novela é a presença de animais fixos no elenco: o cão Manteiguinha (raça Golden Retriever), o rato Tuntum (raça Twister), a peixe Beijoca (raça Qingio) e o gato Bartolomeu (raça Maine Coon), personagens que pensam e interagem com os humanos.

A trama apresenta algumas cenas e videoclipes filmados com uma tecnologia inédita na dramaturgia do SBT, o 4K, que traz para a trama uma qualidade de cinema. O 4K é uma tecnologia que apresenta uma combinação de fatores, sensação de imersão, com alta resolução, realismo e amplo espaço de cores, que faz com que as imagens sejam fiéis à realidade, com maior impacto visual e sensorial.

Para o desenvolvimento da criação visual da novela, mais de 20 profissionais trabalharam na concepção dos projetos que atendem aos conceitos da trama aplicados no pacote gráfico, na abertura, chamadas de lançamento e no logo. Dentro desses resultados, está a criação de emoticons para ilustrar o pensamento e os sentimentos dos animais da história. São 88 emoticons diferentes no pacote básico. Já na abertura da novela, atores interagem em meio a cenários criados em computação gráfica e 3D.
Para as passagens de tempo e de algumas cenas da novela, a equipe de criação visual apresenta uma linguagem com ícones de tablets e smartphones, onde um toque permite regular a imagem, mudar uma foto ou tirar uma fotografia.
Na elaboração das primeiras cenas da novela, que retrata a história mais lúdica, filmada em 4K, além das imagens em 3D, foi preciso um trabalho de pós-produção de aproximadamente dois meses.

Mais musical que as tramas infantis anteriores, Cúmplices de um Resgate tem duas bandas. O telespectador vai acompanhar todo o processo de formação dessas bandas, com ensaios, shows e gravação de videoclipes.

A direção musical da novela é assinada por Arnaldo Saccomani e Laércio Ferreira, que prepararam uma mescla de versões de musicas da trilha mexicana, com algumas canções inéditas, que foram compostas especialmente para a novela, além de algumas regravações.

A construção de toda parte cenográfica é inspirada no movimento artístico do Expressionismo Alemão.
“Começamos discutindo sobre o que é ser gêmeo e então surgiram vários termos, como: igual, indivisível, simetria, complementares, diferentes e dois. A partir daí, nós associamos essas ideias a ótica da arte. Essas noções nos levaram aos conceitos encontrados dentro de trabalhos presentes no Expressionismo Alemão”, contou a diretora de arte Paula Utimura.
A novela traz formas poligonais nos cenários, com trabalho de simetria e dualidade nos objetos e na arte gráfica.

Em novembro de 2015, a atriz-mirim Duda Wendling foi demitida da produção de Cúmplices de um Resgate por conta de sucessivos atrasos nas gravações. Em seu lugar, entrou outra menina para interpretar a personagem Dóris: Sophia Valverde. Sophia entrou em cena exatamente no ponto em que Duda parou. Não houve explicação na trama para a troca.

Apesar de vendida pela emissora como “a primeira telenovela bíblica do mundo”, não é! A novela O Rouxinol da Galiléia, exibida pela TV Tupi em 1968, já apresentava uma trama bíblica, que acontecia durante a Paixão de Cristo.

Livre adaptação dos livros do Êxodo, Levítico, Números e Deuteronômio. A novela narrou a saga bíblica protagonizada por Moisés, passando por importantes fatos históricos, como o nascimento do profeta, as pragas lançadas sobre o Egito, a fuga pelo Mar Vermelho, o encontro de Moisés com Deus no Monte Sinai e a revelação dos mandamentos.

Os Dez Mandamentos foi, de longe, a produção de maior sucesso e repercussão da Record desde a retomada da dramaturgia da emissora em 2004 – fechou com uma média geral de 16 pontos no Ibope da Grande São Paulo.
A novela estreou e já começou bem: nos dois primeiros meses, marcou uma média de 12 a 13 pontos no Ibope, desbancando o segundo lugar do SBT no horário.
E a audiência foi crescendo. Encostou na Globo com as pragas do Egito, já em sua segunda metade. E bateu a concorrente com a travessia no Mar Vermelho, na reta final (no capítulo exibido em 10/11/2015): média de 28 pontos na Grande São Paulo, abrindo uma vantagem de 8 pontos sobre a Globo. Curiosamente, essa curva ascendente parou neste dia: nos dias seguintes até o final, a novela foi perdendo audiência – principalmente quando passou a dividir o horário com os primeiros capítulos da reprise de Rei Davi

Os Dez Mandamentos chamou a atenção até mesmo de quem era alheio a temas bíblicos, curioso com os efeitos especiais que a Record mandou fazer nos Estados Unidos, tanto para as pragas quanto para a travessia – a maioria, bons e eficientes.

Um sucesso não esperado pela emissora, muito menos pelos profissionais envolvidos na produção. A maior prova disto foi a falta de planejamento da Record e a “má administração desse sucesso”.
A novela foi sendo espichada à medida que o Ibope aumentava, o que prejudicou seu bom andamento. A edição abusou dos flashbacks, o que aumentou a sensação de embromação e chegou a irritar alguns telespectadores.
Sem uma substituta à altura (talvez outra trama bíblica inédita), a emissora preferiu protelar a estreia da sucessora (Escrava-Mãe, uma história ambientada no Rio de Janeiro do século 19) e pôs a reprise de uma minissérie bíblica em seu lugar (Rei Davi).

Pode-se dizer que Os Dez Mandamentos foi a novela certa no momento certo. Frente à crise econômica pela qual o país atravessa, com notícias desagradáveis diariamente nos telejornais, e a insistência da Globo em apostar em tramas ditas “realistas”, com violência, impunidade e favelas (Babilônia e A Regra do Jogo), parte do público preferiu o escapismo de uma história bem distante da dura realidade brasileira.

No auge do sucesso de Os Dez Mandamentos, a fim de evitar um confronto direto com a novela das nove, a Globo foi aumentando a duração do Jornal Nacional. Isso ficou evidente com a estreia de A Regra do Jogo, muito prejudicada pela concorrência. Na guerra pela audiência, tanto a Globo esticava o quanto podia o JN, quanto a Record esticava Os Dez Mandamentos. Em agluns dias, a novela da Globo iniciou perto das 22 horas.

Acima de tudo, Os Dez Mandamentos conseguiu um feito notável, destes que raramente acontecem na televisão brasileira. Conquistou o público com uma opção de entretenimento fora da Globo, no horário de maior faturamento da concorrente.

Como forma de alongar a repercussão, a história da novela não terminou. O último capítulo foi finalizado com “continua”. A Record promete para 2016 uma “segunda temporada”, com a saga dos personagens rumo à Terra Prometida.
Também chegará aos cinemas a versão “filme”, com a edição da novela em duas horas para ser exibida na telona.

Foram mais de cem anos de história retratados e divididos em quatro fases. Em meio à história bíblica, Os Dez Mandamentos também contou com elementos clássicos dos folhetins brasileiros, ao retratar conflitos familiares, luta pelo poder, traições, invejas, ódio e amores proibidos.
A autora, Vívian de Oliveira, conseguiu desenvolver um bom trabalho ao dosar o texto bíblico com uma linguagem mais próxima da telenovela (inclusive com boas tramas paralelas cômicas).
O tom teatral da Bíblia era até de se esperar em uma produção do gênero – estranho seria se fosse tudo coloquial ou realista demais.

Na adaptação, o personagem bíblico Moisés teve menos pompa que as versões apresentadas em filmes – como o Moisés de Charlton Heston em Os Dez Mandamentos, de Cecil B. DeMille (1956).
“O cinema o vê como grande herói. O nosso é mais humanizado. Ele batalha, sofre, descobre o amor e depois Deus. É uma grande virada”, afirmou o diretor Alexandre Avancini em entrevista ao jornal O Estado de São Paulo.

A pirotecnia chamou a atenção da audiência, mas disfarçou um desajuste ao desviar os olhos do público para os efeitos especiais deixando a desejar na direção de atores. Um texto bíblico, repleto de frases feitas e doutrinação, requer excelentes atores, bem dirigidos, para que tudo não soe como um jogral de igreja. Diante de um elenco numeroso, poucos nomes se destacaram, enquanto vários não passaram da declamação empostada. Faltou uma direção de atores mais criativa e menos preguiçosa, que fugisse do lugar comum, inclusive para tornar convincentes algumas interpretações do difícil texto bíblico.

No elenco, destacaram-se os excelentes Samara Felippo, Zé Carlos Machado, Denise Del Vecchio, Adriana Garambone, Giuseppe Oristânio e Petrônio Gontijo. Larissa Maciel, Vera Zimmermann, Heitor Martinez, Paulo Gorgulho e Floriano Peixoto também estiveram bem em seus personagens.

O mesmo não se pode dizer de Guilherme Winter e Sérgio Marone, que interpretaram os protagonistas Moisés, o herói, e Ramsés, o vilão. Sem carisma, Winter viveu um Moisés frio e robótico, enquanto Marone foi a outro extremo, exagerando e pisando na falta de sutileza. Faltou da direção uma orientação para o meio termo correto entre os dois antagonistas.

A Record atingiu um bom patamar com sua experiência em minisséries bíblicas. A produção de Os Dez Mandamentos foi caprichada. Os cenários e figurinos ficaram mais coerentes após uma correção na fotografia, que deixou a novela menos iluminada, com efeito, menos colorida e carnavalesca.

Cada capítulo custou cerca de 700 mil reais, entre diversos custos, como o uso de efeitos especiais e contratação de profissionais de Hollywood. As cenas em que o Mar Vermelho se abriu para a passagem dos hebreus e uma das pragas que acontecem no Egito foram encomendadas em um estúdio em Los Angeles.
Com aproximadamente 80 atores no elenco, a novela contou com uma cidade cenográfica de sete mil metros quadrados com 28 cenários, retratando a vida da população do Egito Antigo da forma mais real possível.

Uma equipe foi ao Egito captar imagens (no Mar Vermelho, Monte Sinai e Rio Nilo) usadas em meio à cidade cenográfica erguida no Rio de Janeiro. Já as cenas que mostraram a travessia do povo hebreu pelo deserto em busca da terra prometida foram gravadas no deserto do Atacama, no Chile, onde o Rio Loa representou o Rio Nilo, local onde a mãe de Moisés deixou o filho dentro de um cesto para protegê-lo dos egípcios. Para aproximar ainda mais a vegetação do local ao da região do Rio Nilo, foram plantados cerca de mil metros quadrados de totora e junco. Outros lugares próximos ao vilarejo de São Pedro do Atacama também foram usados como cenários.

Chamando a atenção do público para o lançamento da novela, a Record sorteou, durante os primeiros capítulos, dez carros ao público mais fiel. Como em uma antiga Sessão Premiada do SBT, apresentadores da emissora telefonaram para telespectadores previamente inscritos perguntando quantas vezes uma vinheta gráfica apareceu durante o capítulo.
Desta forma, a Record repetiu a promoção que realizou em 2011 na estreia de Rebelde. A justificativa interna para o investimento em um sorteio foi a de que a emissora estaria em novo horário de telenovelas (a partir das 20h30).

Não confundir com a novela O Décimo Mandamento, de Benedito Ruy Barbosa (quem nem bíblica era), exibida pela TV Tupi em 1968.

Sobre a inspiração para sua história, falou João Emanoel Carneiro:
“A Regra do Jogo nasceu de um personagem, do Romero Rômulo. A ideia de fazer esse homem veio da minha mãe, que sempre disse que eu precisava escrever a história de um santo. Ela era muito católica. A minha mãe morreu faz pouco tempo e eu pensei em realizar esse seu desejo. Fiz um santo, mas um santo torto. Afinal, ele é alguém que gosta da ideia de ser bom.”

À primeira vista, salta aos olhos a semelhança com Avenida Brasil. Vingança é novamente um dos alicerces da trama. A fotografia continua escura, em tons quentes (vermelho, amarelo, marrom). De novo, investe-se na “novela de pegada popular”, seja na trilha sonora, seja no perfil dos personagens centrais, de origem humilde. Desta vez, a ação principal não está no subúrbio, mas no morro: a fictícia comunidade do Morro da Macaca.

Entretanto, percebe-se também elementos de A Favorita, sucesso de João Emanuel Carneiro de 2008. As chamadas são embaladas por um tango. E a dualidade bem-mal é explorada: a princípio, o público não sabe se os personagens são tão bons quanto eles afirmam.

A caixa cênica, um ambiente que permite que os atores tenham mais liberdade na hora de atuar, é um dos novos conceitos trazidos para a novela pela diretora Amora Mautner. Com cenários 360 graus e a boca de cena fechada, tem uma logística que permite gravar a novela na velocidade em que ela acontece.
“Desde que eu comecei a ler o texto do João Emanuel (Carneiro), eu quis fazer uma novela cada vez mais orgânica. E eu fiquei durante dois anos tentando estruturar como a gente poderia captar essa imagem de uma maneira também reality. Sem ser marcada, sem ser como a gente está acostumado a fazer em dramaturgia”, explicou a diretora em um vídeo de divulgação.
O espaço dentro de um cenário, portanto, fica livre para que os atores possam circular sem a preocupação de se posicionarem para as câmeras, já que elas também podem estar ocultas. Amora conta ainda que consultou Boninho, “um expert de reality da Globo”. Ele dirigiu todas as edições do Big Brother Brasil.
O novo conceito também agrada o elenco, que comprou a ideia desde o início.
“A gente vai poder trabalhar com mais liberdade e fazer umas coisas que eu gosto: dar as costas para a câmera, ficar na sombra, falar por trás do outro”, comentou Juliano Cazarré.
Vanessa Giácomo completoua: “A caixa cênica vem para mudar completamente a atuação!”.

Valorizando cada vez mais a experiência multiplataformas, o Gshow (site de entretenimento da Globo) pegou carona no conceito da “caixa cênica” e oferece ao público uma versão alternativa das cenas assistidas na TV. Pela primeira vez, é possível ver por outros ângulos toda a movimentação dos personagens em ação e fora dela.

Questionado sobre a comunidade ficcional do Morro da Macaca ser uma “favela idealizada”, o autor respondeu:
“Um morro que deu certo na zona sul do Rio de Janeiro. Os personagens mais emblemáticos desta história são Rui e Tina (interpretados por Bruno Mazzeo e Monique Alfradique). São dois personagens de classe média, que moram na zona sul e se apaixonam pela ideia de viver “la vida loca”. Não ter carro e não pagar IPTU, IPVA. É a aventura de classe média na favela. É essa a ideia central que eu quero mostrar. Aqui, as pessoas estão indo para o morro, o morro ideal. É uma comunidade que está se transformando. É um pouco esse espelho desta “nação em transe”. Eu vejo que as classes sociais, aqui no Rio, estão se amalgamando, estão trocando de lugar. A diferença entre a classe média e o habitante da comunidade já não é mais tão avassaladora. Há uma troca muito maior hoje em dia. (…) Eu não tenho nenhum compromisso sociológico. É dramaturgia.”

Erguida no Projac, a cidade cenográfica do Morro da Macaca tem cerca de 4 mil metros quadrados e quase 40 construções, entre casas, comércio e escolas (uma delas é de artes marciais), além de muitos becos e vielas – conforme indica o texto de João Emanuel Carneiro. México, Itália, Grécia e Brasil são inspirações para a concepção desta comunidade.
“A Macaca é um lugar que deu certo. Aqui não há tanta sujeira, tantos defeitos. As casas e o comércio foram decorados e construídos com base na espontaneidade dos seus moradores”, contou Rafael Ronconi, que divide a supervisão da produção de arte com Ana Magalhães.
E isso aconteceu porque as pessoas se organizaram e fizeram tudo funcionar bem. A cidade cenográfica foi um desafio para as equipes de cenografia e produção de arte, pois o objetivo foi construir um lugar crível e vivo.

Além dos cenários de estúdio e da cidade cenográfica, a produção conta ainda com um estúdio fixo construído também no Projac, onde são montadas várias locações. No espaço existem a facção criminosa, os interiores de casas do Morro da Macaca, a sede Darco (academia de polícia) e ruas ermas.
“É como se tivesse uma cidade cenográfica dentro de um estúdio, onde é possível controlar tudo, luz, áudio e outras variáveis”, esclareceu João Irênio, o cenógrafo da novela.

A maioria dos objetos de cena foi comprada de segunda mão, como as bicicletas e todo o material da barbearia. Em alguns casos, a produção comprou mobília de moradores de comunidades ou trocou algumas peças usadas por novas, como roupa de cama. Todos esses detalhes pra tornar tudo mais próximo do real.

Do elenco de Avenida Brasil, estão em A Regra do Jogo: Tony Ramos, Cauã Reymond, Juliano Cazarré, José de Abreu, Marcos Caruso, Marcello Novaes e Paula Burlamaqui.

Murilo Benício (também do elenco de Avenida Brasil) estava inicialmente escalado para viver o protagonista Romero Rômulo. Pediu para sair alegando incompatibilidade de agenda. Foi substituído por Alexandre Nero que, praticamente, emendou dois protagonistas, já que deixou o elenco de Império em março de 2015.

Favela Chique era o título provisório de A Regra do Jogo.

Trilha Sonora Internacional

01. ALWAYS ALRIGHT – Alabama Shakes
02. DON´T WAIT – Mapei
03. LIKE I CAN – Sam Smith
04. POTOGRAPH – Ed Sheeran
05. BE MY SIN – Kathryn Dean
06. RENEGADES – X-Ambassadors
07. RIVER FULL OF LIQUOR – Leon Else
08. CHANDELIER – Sia
09. TROUBLE – Elvis Presley
10. COME FLY WITH ME – Michael Bublé
11. FIRESTONE – Kygo featuring Conrad Sewell
12. HANDCUFFS – Prince Royce
13. POWERFUL – Major Lazer featuring Ellie Goulding and Tarrus Riley
14. FORGIVENESS (EL PERDÓN) – Nick Jam featuring Enrique Iglesias
15. WANT TO WANT ME – Jason Derulo
16. COME TOGETHER – Echosmith

Trilha sonora volume 3

01. VOU VOLTAR PRO ROLÊ – Thiaguinho
02. TÁ ME DANDO MOLE – Sorriso Maroto
03. PENTE E RALA – Turma do Pagode
04. FULMINANTE – Mumuzinho
05. LIVRE, LEVE E SOLTA – Hellen Caroline
06. AQUELE 1% – Marcos e Belutti (participação de Wesley Safadão)
07. MISS FAVELA – Gabriel Moura (participação de Seu Jorge)
08. WORTH IT – Fifth Harmony featuring Kid Ink
09. DIGGIN´ON YOU – Elekfantz
10. WANNA BE – Mister Jam (participação de Wanessa)
11. SELFIE COLADO – Karol Ka
12. MOLEQUE TRANSANTE – Dannie, Mc Sabará
13. PEGAÇÃO – Dienis
14. SOU DESSAS – Valesca Popozuda
15. SUAVE – MC Merlô

ainda
BUDAPEST – George Ezra
DEAR FUTURE HUSBAND – Meghan Trainor

Trilha Sonora Instrumental: música original de Eduardo Queiroz, Guilherme Rios e Felipe Alexandre

01. ATENA – Eduardo Queiroz e Guilherme Rios
02. ROMERO – Eduardo Queiroz
03. TÓIA – Eduardo Queiroz e Felipe Alexandre
04. JULIANO – Eduardo Queiroz e Felipe Alexandre
05. MON AMOUR BLUES – Eduardo Queiroz e Guilherme Rios
06. LAS VEGAS – Eduardo Queiroz
07. NELITA – Eduardo Queiroz e Felipe Alexandre
08. FALLING – Eduardo Queiroz e Felipe Alexandre
09. FACÇÃO – Eduardo Queiroz e Felipe Alexandre
10. NÃO ME DEIXE SÓ – Eduardo Queiroz e Guilherme Rios
11. UM HOMEM BOM – Eduardo Queiroz
12. ORLANDO – Eduardo Queiroz
13. PENUMBRA – Eduardo Queiroz
14. UNO – Eduardo Queiroz
15. RED LIPS – Eduardo Queiroz e Guilherme Rios
16. DJANIRA – Eduardo Queiroz e Felipe Alexandre
17. VERTIGEM – Eduardo Queiroz
18. STUART – Eduardo Queiroz
19. BLACK CORPORATION – Eduardo Queiroz e Felipe Alexandre
20. A CELA – Eduardo Queiroz e Felipe Alexandre
21. VERONA – Eduardo Queiroz e Felipe Alexandre
22. EMPTY HEART – Eduardo Queiroz e Felipe Alexandre
23. PICKPOCKET – Eduardo Queiroz e Guilherme Rios
24. DIRT GAMES – Eduardo Queiroz e Guilherme Rios
25. CÉU – Eduardo Queiroz e Felipe Alexandre
26. SEM VOCÊ – Eduardo Queiroz e Felipe Alexandre
27. FALIDOS – Eduardo Queiroz e Guilherme Rios

Tema de Abertura: JUÍZO FINAL – Alcione

O sol há de brilhar mais uma vez
A luz há de chegar aos corações
Do mal será queimada a semente
O amor será eterno novamente

É o juízo final
A história do bem e do mal
Quero ter olhos pra ver
A maldade desaparecer

O amor será eterno novamente
O amor será eterno novamente…

Com a mudança de fase, os personagens têm uma segunda chance para corrigir os erros cometidos na primeira vida, para resolver as pendências que ficaram para trás. A ideia é mostrar que as pessoas podem ser boas ou más também de acordo com o estilo de vida que levam, como é o caso do embate entre Emília e Vitória (Ana Beatriz Nogueira e Irene Ravache), uma vítima da outra nas duas vidas. O público poderá ficar dividido entre sentir raiva e compaixão, por saber o que cada personagem sofreu em sua vida passada e a mágoa que carrega.

Originalmente concebida para 70 capítulos, a primeira fase foi espichada para 87. Os últimos capítulos desta fase chegaram a ser reeditados por conta de um atraso nas gravações ocorridos por causa de uma crise renal sofrida pela atriz Alinne Moraes.

Além do Tempo encerrou sua primeira parte com saldo positivo, audiência em alta e ótima receptividade do público. A trama de época não trouxe nada de novo além do bom e velho folhetim clássico, com todos os ingredientes indispensáveis para os amantes do gênero: uma história de amor, com mocinhos virtuosos e vilões terríveis, em meio a segredos do passado e muitos obstáculos para a felicidade. Entretanto, uma trama muito bem moldada e conduzida pela ótima carpintaria da autora Elizabeth Jhin.

As qualidades da novela estavam não apenas na trama cativante, mas também na ótima direção (equipe de Rogério Gomes e Pedro Vasconcelos), na produção requintada e no elenco, com destaque às interpretações de Irene Ravache (Condessa Vitória), Ana Beatriz Nogueira (Emília), Júlia Lemmertz (Dorotéia), Paolla Oliveira (Melissa), Nívea Maria (Zilda), Luiz Carlos Vasconcelos (Bento), Luís Mello (Mássimo), Inês Peixoto (Salomé) e Dani Barros (Severa).

Uma produção de época, ambientada no fim do século 19, mas que não se restringiu a uma década específica nem esteve atrelada a acontecimentos históricos específicos. Isso acabou causando uma pequena confusão de ordem cronológica, já que a segunda parte foi vendida como ambientada 150 anos após a primeira e alguns dados históricos não batiam com o que foi apresentado (não haviam escravos na história, citação à Freud, etc).

Essa relativa atemporalidade da novela deixou a equipe de figurino mais livre, permitindo um exercício maior da criatividade.
“Está sendo maravilhoso porque a gente está tendo a oportunidade de fazer uma época romântica sem ser datada. Você fecha o olho e imagina uma história de amor de época. Não chega a ser lúdico, mas a gente está trabalhando com os arquétipos românticos: o príncipe, a menina pobre que se apaixona pelo príncipe, a menina rica e má, a viúva perversa”, explicou a figurinista Natalia Duran.

Natalia Duran contou ainda que as principais referências para os figurinos vieram de pinturas antigas e filmes. Produções como Orgulho e Preconceito e Razão e Sensibilidade, baseadas em obras da escritora inglesa Jane Austen (1775-1817), serviram como fonte de inspiração para as roupas da Lívia (Alinne Moraes), protagonista da trama. Cores claras e tecidos orgânicos como o linho refletem a simplicidade e a leveza da personagem.
Felipe (Rafael Cardoso), grande amor de Lívia, tem o figurino inspirado nos príncipes europeus, com muitos tons de azul e vermelho.
Melissa (Paolla Oliveira), a moça que vem da cidade grande e noiva de Felipe, usa peças de vanguarda, assim como a Condessa Vitória (Irene Ravache). O guarda-roupa poderoso da personagem é baseado nas criações do estilista inglês Charles Frederick Worth (1825-1895), considerado o pai da alta-costura.

A equipe da novela visitou quatro cidades para gravar as cenas iniciais da trama. A primeira viagem foi para Vassouras e Rio das Flores, na região sul fluminense. As lembranças dos tempos áureos do café estão preservadas nas duas cidades, conhecidas pelas construções coloniais que abrigaram os maiores fazendeiros do Brasil no século 19.

A equipe ainda se deslocou para o sul do Brasil, para as cidades de São José dos Ausentes e Garibaldi (RS). Desenhada pelos Campos de Cima da Serra e cânions dos Aparados da Serra, São José dos Ausentes é conhecida por seu inverno rigoroso para os padrões brasileiros. É nesta região que foi gravada boa parte do cotidiano dos moradores de Campobello, a cidade fictícia da história. Em Garibaldi, cidade próxima a Bento Gonçalves, conhecida como a capital nacional do vinho, foi gravada a sequência da festa da colheita, uma das mais importantes do início da novela, além de outras cenas.

Para o casarão da Condessa Vitória (Irene Ravache), as referências vieram principalmente das fazendas da época áurea do café. Azulejos portugueses, portas azuis e paredes brancas são complementados por móveis, objetos e tecidos clássicos. Vinte e um ambientes, entre eles quatro salas e seis quartos, foram criados em estúdio. Na cozinha, um espaço de 170 metros quadrados que inclui copa, despensa e lavanderia, a cenografia utilizou materiais como cerâmicas, pedras e fornos verdadeiros.
As externas foram gravadas em uma fazenda em Vassouras. O jardim do casarão recebeu cerca de mil rosas vermelhas artificiais, que remetem aos belos jardins franceses. Outra fazenda no município vizinho de Rio das Flores serviu de locação para as cenas do convento.

Tema de Abertura: PALAVRAS AO VENTO – Cássia Eller

Ando por aí querendo te encontrar
Em cada esquina, paro em cada olhar
Deixo a tristeza e trago a esperança em seu lugar
Que o nosso amor pra sempre viva, minha dádiva
Quero poder jurar que essa paixão jamais será

Palavras apenas
Palavras pequenas
Palavras, momentos
Palavras, palavras, palavras, palavras
Palavras ao vento…

ainda
DRAG ME DOWN – One Direction
DREAMS – Tony Sway
HOME – Gabrielle Aplin
LIPS ARE MOVIN’ – Meghan Trainor
I’VE GOT YOU UNDER MY SKIN – Ronaldo Canto Mello
FIGHT SONG – Rachel Platten

Tema de Abertura: TOTALMENTE DEMAIS – Anitta

Linda como um neném
Que sexo tem? Que sexo tem?
Namora sempre com gay
Que nexo faz? Tão sexy gay
Rock’n’roll?
Pra ela é jazz
Já transou
Hi-life, society
Bancando o jogo alto

(Totalmente demais)

Esperta como ninguém
Só vai na boa
Só se dá bem
Na lua cheia tá doida
Apaixonada, não sei por quem
Agitou um broto a mais
Nem pensou
Curtiu, já foi
Foi só pra relaxar

(Totalmente demais)
Totalmente demais (totalmente demais)
Demais…

Sabe sempre quem tem
Faz avião, só se dá bem
Se pensa que tem problema
Não tem problema
Faz sexo bem

Vai, vai!
Seu carro é do ano
Seu broto é lindo
Seu corpo tapete, do tipo que voa
É toda fina
Modelito design
Se pisca, hello
Se não dá, bye-bye
Seu cheque é novinho, ela adora gastar
Transou um Rolling Stone no Canadá
Fazendo manha
Bancando o jogo
(Que mulher!)

Totalmente demais (totalmente demais)
Demais…

O elenco era encabeçado por Lima Duarte, como protagonista, e Beatriz Segall no papel da heroína alienígena, que usava uma roupa de plástico cinza-prateada e uma enorme peruca branca. E havia ainda um robô.

A série foi patrocinada pela Lever (daí seu título), cuja conta era agenciada pela Lintas (Lever International Advertising System).

José Bonifácio de Oliveira Sobrinho, o Boni, que então trabalhava para a Lintas na época, comenta sobre Lever no Espaço em seu Livro do Boni:
“(…) surgiu uma ideia baseada no que o Orson Welles havia feito na rádio americana, com A Guerra dos Mundos, de H. G. Wells.”.

Cenas externas com detalhes de rua eram filmadas em 16 milímetros e inseridas durante a exibição. Só o cenário custou 90 mil cruzeiros (o equivalente ao salário de 180 funcionários da Tupi). Um túnel de 150 metros de profundidade ocupava dois terços do estúdio da emissora e foi pintado em cores, apesar de a transmissão ser em preto-e-branco.

A estréia foi antecedida de pequenas chamadas. Chuviscos interrompiam a programação normal, como se o canal saísse do ar, e ouvia-se uma voz cheia de ecos dizendo:
“Atenção terráqueos, estamos chegando dia 12″
Uma inovação para a época!

Outra chamada anunciava:
“Atenção seres da terra! Verúnia chamando! A hora está próxima! Vamos, juntos, salvar a Terra! Viemos em paz!”

fonte: o livro Nossa Próxima Atração, o Interprograma no Canal 3, de Mário Fannucchi

Seres extra-terrestres voltariam à televisão brasileira na novela Os Estranhos, de Ivani Ribeiro, produzida pela TV Excelsior em 1969.

Criada por Rubem Biáfora, Capitão 7 estreou no dia 24 de outubro de 1954 pela TV Record. A princípio era exibida três vezes por semana com episódios que variavam entre 30 e 40 minutos de duração. Mas o sucesso de audiência fez com que fosse investido mais no programa, o qual se tornou diário.

A propósito, tal qual o herói nipônico National Kid foi batizado com este nome para divulgar seu patrocinador, a National, Capitão 7 recebeu esse nome porque a TV Record era transmitida pelo canal 7 em São Paulo.

Esse herói nacional era vivido pelo mineiro Ayres Campos, escolhido entre dezenas de outros candidatos, entre eles o ator Hélio Souto.
“Tive que fazer vários testes. Além da interpretação fiz exibições de força e habilidade em várias modalidades de luta, inclusive boxe. Muito me favoreceu a excelente forma física que sempre procurei manter e a experiência, como ator, em vários filmes.”
No início o ator ainda usava um capacete, máscara nos olhos e um bigodinho a la Clark Gable. Depois, adotou a cara limpa.

Tal como demais super-heróis, o Capitão 7, Silvana e o Tenente tinham uma identidade secreta, mas estas nunca foram reveladas. Eles eram super-heróis que lutavam contra o mal numa espécie de “liga da justiça”. Suas vidas particulares jamais foram reveladas. Lutavam contra bandidos na Terra, espaço sideral e no mundo subterrâneo.

A princípio ao vivo com transmissão direta, e mais tarde filmada em película cinematográfica, a produção contava com várias cenas de ação, muitas delas interpretadas pelo próprio Ayres Campos que escapou, dezenas de vezes, de ser morto em ação.

Até 1960, a série era escrita por vários roteiristas. Depois todos os episódios passaram a ser escritos, produzidos e dirigidos por Alice M. Miranda, mais conhecida no meio artístico por Maio Miranda. Ela ficou responsável pela série até o último mes de sua gravidez. Alguns meses depois, Capitão 7 saiu do ar.

Por causa do sucesso do herói entre seu público infantil, foi criado um Clube, apoiado pelo personagem e patrocinado pela Vigor, que incentivava crianças e jovens a manter um corpo sadio, ter amor aos estudos e não agir com violência.

Também foi lançada uma revista em quadrinhos com histórias vividas pelo Capitão 7, com um total aproximado de 60 edições. Seu protagonista, Ayres Campos, aproveitou sua paixão pela série e, após o seu encerramento, abriu um negócio próprio: a Capitão 7 Indústria e Comércio de Roupas Ltda., uma fábrica de roupas de super-hoeróis, entre eles, o próprio Capitão 7.

Os episódios do Capitão 7 ficaram, durante anos, guardados nos arquivos da TV Record, que perdeu tudo nos incêndios dos quais foi vítima.

O ator Ayres Campos faleceu em julho de 2003.

Chegou o Capitão 7
Pra defender o bem
Chegou o Capitão 7
Valente como ninguém

Vim para defender a justiça e a liberdade
O mal não pode vencer o trabalho e a honestidade

Agora é hora do nosso herói chegar
Capitão 7 vem aí
Valente como ele
Eu nunca vi

Vim para defender a justiça e a liberdade
O mal não pode vencer o trabalho e a honestidade…

Depois de versões para o cinema e o teatro, a história é contada na TV em dez capítulos.
“É a adaptação mais longa já feita até agora. Todas as outras tiveram que condensar um livro de mais de quinhentas páginas em cerca de duas horas. A minissérie vai conseguir mostrar, por conta do formato, mais do que filmes e peças conseguiram até hoje”, afirmou o diretor Vinícius Coimbra.

A autora Manuela Dias escolheu trazer a história para o Brasil de 1928.
“A década de 1920, com seus ‘anos loucos’, é um grito de liberdade. Pudemos dar aos protagonistas uma personalidade arrojada usando bases históricas – eles são personagens avant garde numa cidade pequena no sudeste do Brasil”.
O diretor acrescentou: “É uma cidade portuária próspera, com um grande teatro, que recebe influência da cultura europeia. A gente escolheu um lugar fictício para abarcar esses conceitos de luxo e de vanguarda que a gente tinha pensado”.
“Ao mesmo tempo, por ser uma época de ruptura de costumes, o eco dos antigos valores tem espaço para ressoar. Essa espécie de ‘pororoca histórica’ fortalece o conflito entre os personagens mais avançados e os mais retrógrados”, completou Manuela.

A disputa de poder entre os sexos também está muito presente em Ligações Perigosas. Os protagonistas competem entre si para provar quem é mais hábil na arte da sedução.
“O duelo entre feminino e masculino, matriarcado e patriarcado, é uma das forças motrizes da sociedade desde sempre”, explicou Manuela.
“Isabel não sente remorso nem culpa, e tem um desejo de vingança sobre o sexo masculino que é fundamental pra personagem – o objetivo da vida dela é se sobrepor aos homens, é exercitar esse domínio sobre eles”, analisou Vinícius Coimbra.

As gravações começaram no fim de julho, no Rio de Janeiro, e terminaram em dezembro, na Argentina. Quase trinta integrantes da equipe, dez atores e mais de 600 quilos de malas e equipamentos desembarcaram em 03/12/2015 em Puerto Madryn, na Patagônia. Como cenário, paisagens deslumbrantes, praias habitadas por pinguins e leões marinhos, e enormes falésias de onde é possível avistar as baleias que visitam a região nessa época do ano.
De lá, a equipe seguiu para Buenos Aires e Concepción del Uruguay, onde fica o Palácio Santa Candida, outra locação da minissérie. Fundada em 1847, a construção do arquiteto italiano Pedro Fossati é considerada monumento histórico nacional. Na trama, o palacete pertence a Consuêlo, personagem de Aracy Balabanian, e fica localizado no litoral do sudeste brasileiro.

Lema de lançamento da minissérie:
“De todas as ligações entre um homem e uma mulher, a mais perigosa é o amor!”

O ponto de partida de Carrasco para sua novela é o conto Cândido ou O Otimismo (1759), do filósofo francês Voltaire, que por sua vez inspirou o filme Candinho (1953), de Abílio Pereira de Almeida, com Mazzaropi como o personagem título. Na verdade, Eta Mundo Bom! tem muito mais do filme com Mazzaropi do que do conto de Voltaire: é praticamente a mesma história do filme.

Êta Mundo Bom! revisita o universo das novelas de rádio. O folhetim, que se passa no final da década de 1940, tem uma radionovela – que irá ao ar também no Gshow e na Rádio Globo. A ideia é que, além da Fábrica de Sabonetes, patrocinador fictício, haja anunciantes de verdade. Neusa Maria Faro e Claudio Tovar vivem os protagonistas da radionovela.

Sob o comando dos coreógrafos Caio Nunes e Carla Martins, no Projac, os atores Eriberto Leão, Débora Nascimento, Priscila Fantin e Maria Carol tiveram aulas de bolero, mambo, charleston, entre outros estilos típicos da época retratada na novela (década de 1940).
Já Camila Queiroz teve aulas de equitação para viver sua personagem, a caipirinha Mafalda.

A equipe da novela viajou para Teresópolis, cidade da região serrana do Rio de Janeiro, para gravar as primeiras cenas.
São Paulo também recebeu a produção, em cenários como a Estação da Luz e o Museu de Imigração.

Pela primeira vez, a Globo lançou comercialmente a trilha sonora de uma novela muito antes de sua estreia. Pelo menos dois meses antes de Êta Mundo Bom! começar, já era possível comprar o seu CD volume 1, um fato inédito.

Entre as locações escolhidas estão: São Francisco do Conde, Raso da Catarina e Cachoeira, na Bahia; Baraúna, no Rio Grande do Norte; Povoado Cabloco e Olho D´água do Casado, em Alagoas. Dez caminhões saíram abastecidos do Rio de Janeiro rumo ao nordeste para estas gravações. Só de figurino foram três toneladas divididas em três caminhões e outra parte que foi despachada por avião. Entre os itens estavam: vestuário, acessórios, máquina de costura e até fogão para tingimento.

O figurino foi criado respeitando um processo artesanal, em que as roupas passam por uma primeira etapa de descoloração do tecido e posterior tingimento para chegar na cor definida. A finalização é realizada com técnicas de envelhecimento natural: exposição ao sol, aplicação de cera, desgaste com lixas, pedras e a até própria terra do sertão foi usada, em alguns casos.
No primeiro momento da novela, que começa no final da década de 1960 e se estende até os dias atuais, destaca-se os tons mais pastéis para o figurino dos personagens sertanejos, e tons mais saturados, mais “tropicália”, para os personagens que vivem na capital, Salvador.

Rodrigo Santoro interpreta Afrânio, um dos protagonistas, na fase jovem do personagem. O ator estava afastado das novelas há treze anos – a última foi Mulheres Apaixonadas, em 2003. Sua última participação na televisão foi o episódio “A Indomável do Ceará” da série As Brasileiras, em 2012.

A primeira fase da novela se passa em 1968 e terá 18 capítulos.

Tema de Abertura> TROPICÁLIA – Caetano Veloso

“Quando Pero Vaz Caminha
Descobriu que as terras brasileiras
Eram férteis e verdejantes,
Escreveu uma carta ao rei:
Tudo que nela se planta,
Tudo cresce e floresce.
E o Gauss da época gravou”.

Sobre a cabeça os aviões
Sob os meus pés os caminhões
Aponta contra os chapadões
Meu nariz
Eu organizo o movimento
Eu oriento o carnaval
Eu inauguro o monumento
No planalto central do país

Viva a Bossa, sa, sa
Viva a Palhoça, ça, ça, ça, ça
Viva a Bossa, sa, sa
Viva a Palhoça, ça, ça, ça, ça

O monumento
É de papel crepom e prata
Os olhos verdes da mulata
A cabeleira esconde
Atrás da verde mata
O luar do sertão
O monumento não tem porta
A entrada é uma rua antiga
Estreita e torta
E no joelho uma criança
Sorridente, feia e morta
Estende a mão

Viva a mata, ta, ta
Viva a mulata, ta, ta, ta, ta
Viva a mata, ta, ta
Viva a mulata, ta, ta, ta, ta

No pátio interno há uma piscina
Com água azul de Amaralina
Coqueiro, brisa e fala nordestina
E faróis
Na mão direita tem uma roseira
Autenticando eterna primavera
E no jardim os urubus passeiam
A tarde inteira entre os girassóis

Viva Maria, ia, ia
Viva a Bahia, ia, ia, ia, ia
Viva Maria, ia, ia
Viva a Bahia, ia, ia, ia, ia

No pulso esquerdo o bang-bang
Em suas veias corre
Muito pouco sangue
Mas seu coração
Balança um samba de tamborim
Emite acordes dissonantes
Pelos cinco mil alto-falantes
Senhoras e senhores
Ele põe os olhos grandes
Sobre mim

Viva Iracema, ma, ma
Viva Ipanema, ma, ma, ma, ma
Viva Iracema, ma, ma
Viva Ipanema, ma, ma, ma, ma

Domingo é o fino-da-bossa
Segunda-feira está na fossa
Terça-feira vai à roça
Porém…
O monumento é bem moderno
Não disse nada do modelo
Do meu terno
Que tudo mais vá pro inferno
Meu bem

Viva a banda, da, da
Carmem Miranda, da, da, da, da
Viva a banda, da, da
Carmem Miranda, da, da, da, da

Inicialmente, Euclydes Marinho era o supervisor do texto de Márcia Prates, mas foi afastado depois que a Globo recebeu os primeiros capítulos e os considerou “insatisfatórios”. Glória Perez foi então nomeada supervisora, mas abandonou o projeto para se dedicar à novela das nove que escreverá para 2017. Mário Teixeira foi então acionado.

Esta é uma história ficcional embasada em fatos e personagens reais. Boa parte dos personagens é fictícia, inclusive a protagonista Joaquina na fase adulta (vivida por Andreia Horta), filha de Tiradentes, já que só existem registros dela até a adolescência.

No roteiro inicial de Márcia Prates, a trama seria ambientada em um arraial do século 18. Quando a autora foi substituída, a ambientação foi redimensionada. Virou Vila Rica, antigo nome de Ouro Preto, onde se deu a Inconfidência Mineira. Para a Globo, a produção era muito grandiosa para se ambientar apenas em um arraial.

Para reconstruir o Brasil de 1792 e 1808, anos em que se desenrola a trama de Liberdade, Liberdade, as equipes de cenografia, produção de arte, caracterização e figurino tiveram de embarcar em uma viagem por meio de livros, pinturas e filmes rumo aos tempos da colônia. Uma época na qual a sociedade vivia sem saneamento básico, com esgoto a céu aberto, hábitos higiênicos precários, pouco acesso às riquezas naturais da terra e pagamento de impostos exorbitantes. Um período no qual os negros eram tratados como propriedade, e os brancos buscavam status, tentando se igualar aos europeus, adotando seus valores e hábitos.

Depois das primeiras leituras de texto e preparação do elenco, no Projac (RJ), cerca de 90 pessoas viajaram para Diamantina, Minas Gerais, onde deram início às gravações da novela. Para a viagem, três caminhões e quatro vans saíram do Rio de Janeiro com equipamentos técnicos e itens de cenografia e produção de arte. A equipe de figurino, liderada por Paula Carneiro, levou oito araras e quatro caixas grandes com roupas e acessórios como luvas, chapéus e botas. Já a equipe de caracterização, comandada por Lucila Robirosa, transportou cinco cases repletos de itens para ajudar a “conduzir” o elenco e figuração para o século 18, época do Brasil Colônia.

A preocupação em conferir um alto grau de realismo às cenas pode ser verificada nas roupas, no cenário, na caracterização e nos elementos cenográficos. Paula Carneiro, contou que houve muitas pesquisas sobre as vestimentas da época:
Fizemos um trabalho muito forte de envelhecimento e tingimento dos tecidos, para passar a impressão de roupas gastas e para existir uma harmonia com as cores da novela”.

Lucila Robirosa revelou que todos os atores se “sujaram” para gravar, já que a época e o lugar não favoreciam a limpeza e a higiene:
“Sujamos todos os personagens, pobres e ricos. As unhas são escurecidas e os dentes são amarelados. Com exceção dos escravos, que eram valorizados pela brancura dos dentes”.
Em vez de maquiar os atores, a busca é por naturalizar a todos e unificar: sujeira nos dentes e próteses, glicerina para o suor, base solúvel em álcool para criar manchas e tirar a uniformidade da pele, cicatrizes aplicadas em um sistema de carimbo, entre outros recursos. As cicatrizes não ficam só para os escravos. A personagem de Maitê Proença, Dionísia, sofria abusos do marido e terá diversas marcas que representam essa história. Na busca por um visual natural do período, elenco e figuração precisaram remover química e tintura dos cabelos, que, em sua maioria, ganharam apliques para parecerem mais longos. Ainda foi preciso evitar unhas feitas e depilação.

A novela também teve cenas gravadas na Fortaleza de São João, no bairro carioca da Urca, que voltou no tempo e se transformou no Rio de Janeiro do final do século 18 e início do 19.

Para reconstruir Vila Rica, onde se passam os principais acontecimentos, nos Estúdios Globo, as equipes de cenografia – assinada pelo diretor de arte Mário Monteiro e pelos cenógrafos Paulo Renato, Márcia Inoue e Kaka Monteiro – e produção de arte – a cargo de Marco Cortez – precisaram resgatar a arquitetura mineira em cerca de 30 prédios que compõe o espaço de quatro mil metros quadrados. Paredes com acabamento primário, tons terrosos em todas as suas variações, madeira de demolição, telhas de cerâmica, esteiras de forração de teto feitas de palha de taquara e reproduções de pedra pé de moleque são algumas das características que remetem à época.

Para móveis e peças do cenário, a busca em antiquários mineiros e o contato com colecionadores de antiguidades foi essencial. Com isso, a equipe de produção conseguiu garimpar artefatos como cadeiras, camas, carruagens, liteiras, entre outros, para compor o espaço. Como as peças deste período são raras, nem todos os tipos de móveis foram encontrados, e os profissionais tiveram de reproduzir grandes peças como armários e mesas de acordo com a arquitetura da época. Papéis de parede, tecidos, maçanetas e peças aproveitadas do acervo da cenografia passaram por um processo de envelhecimento para reproduzir com mais fidelidade o período histórico.

O realismo ganhou liberdade de criação com as mulheres mais nobres e o cabaré de Virgínia (Lília Cabral). Joaquina (Andreia Horta), trará uma mistura de referências contemporâneas com o período da novela: bordados atuais, tipos de manga e tecidos. Como Joaquina foi criada em Portugal, traz para o Brasil trajes que até então as mulheres não conheciam, como os cortes com cintura alta. Ela terá uma leveza na maquiagem que reforçará a imagem dessa mulher que impressiona todos a sua volta e penteados mais “modernos” para o momento histórico. Já Virgínia fará uso de corseletes, anáguas, vestidos e robes longos para exaltar sua beleza.

Na personagem de Nathalia Dill, Branca, tudo estará combinando: formatos de vestidos bem brasileiros, com a cintura baixa da época, peças todas da mesma cor, bordados tom-sobre-tom em cores diferenciadas como berinjela e azul petróleo. Ascenção (Zezé Polessa), mulher que vive pelas florestas e tem uma cicatriz misteriosa no rosto para reforçar tudo que já viveu, terá um figurino em tom medieval. Maitê Proença, a Dionísia, usa do estilo da aristocracia para mostrar que é uma mulher forte e elegante, com cortes bem tradicionais e tons de preto, cinza e carbono.

A preparação do elenco contou com aulas de esgrima, equitação, leituras com a direção e workshops, para entrar no clima do Brasil do século 18.

Releitura da novela Sassaricando, escrita por Silvio de Abreu entre 1987 e 1988, com personagens inéditos, contextos, perfis e tramas diferentes e atualizados.
“Além de fazer uma homenagem à São Paulo moderna, estou criando uma nova versão para uma de minhas novelas favoritas. Sassaricando já trazia em seu DNA essa mistura tão contemporânea que queríamos mostrar. Embora alguns personagens mantenham os nomes, interagem com outros novos e enfrentam os dilemas dos dias de hoje, o que nos permite contar a história de uma nova forma”, ressaltou o autor, Daniel Ortiz, pupilo de Silvio de Abreu.
“Eu sempre quis escrever uma novela sobre São Paulo que mostrasse esse mosaico de culturas que existe na cidade. Você tem bairros chiques do lado de comunidades, shoppings com grifes internacionais ao lado de comércios populares, tradição italiana, japonesa, árabe. Então, eu queria fazer alguma coisa vibrante nesse sentido.
Sassaricando foi uma novela que me marcou muito. Comecei a assistir novelas por causa do Silvio, com Jogo da Vida (1981), mas a novela que eu vi e que, a partir dali, decidi que queria escrever, foi Sassaricando. Tenho uma conexão muito forte com essa obra. Tenho ela gravada em VHS até hoje. Pra mim, é um sonho poder reviver personagens como Tancinha, Apolo e Fedora, que ficaram na minha memória e foram tão importantes para a definição de toda a minha carreira.”

“A principal atualização em Haja Coração é que agora o destaque está no casal Tancinha e Apolo. A trama de Aparício Varela continua, e com força, mas o protagonismo passa para o núcleo jovem. Além disso, vamos brincar com o vício pelas redes sociais, como isso afeta o dia a dia das pessoas. A personagem de Tatá Werneck, Fedora Abdala, é completamente fascinada por redes sociais e quer ser a mulher mais seguida do Brasil. Ela está sempre postando fotos e vídeos e compete com uma blogueira (…) Outra atualização é a da personagem Leonora Lammar, agora interpretada pela Ellen Rocche. Leonora será uma ex-BBB eliminada na etapa da casa de vidro. Haverá ainda um cachorrinho na história, o Tito, que vai transitar no núcleo da vila, onde vivem as famílias de Tancinha e Apolo”, completou Daniel.

A estreia de Haja Coração foi sendo protelada devido ao sucesso da trama anterior, Totalmente Demais. Num caso raro entre as novelas da Globo, o último capítulo de Totalmente Demais será exibido numa segunda-feira (30/05/2016), para evitar o feriadão de Corpus Christi (em que há fuga de telespectadores). Sendo assim, Haja Coração estreia na terça-feira (31/05), enquanto a reprise do último capítulo de Totalmente Demais será na terça à tarde, no Vale a Pena Ver de Novo.

Da mesma forma, a concorrente no horário na Record, a novela Escrava Mãe, também teve sua estreia adiada para não bater de frente com o último capítulo de Totalmente Demais, e assim, estreia na terça-feira (dia 31), concorrendo diretamente com a estreia de Haja Coração.

Os autores de Totalmente Demais (Rosane Svartman e Paulo Halm) e de Haja Coração (Daniel Ortiz) bolaram um crossover entre suas tramas. Como forma de apresentar a nova novela da sete, a personagem Fedora Abdala, de Tatá Werneck, aparece no último capítulo de Totalmente Demais, contracenando com os personagens desta novela.

Durante um mês, a equipe da novela gravou cenas e captou imagens em pontos importantes da capital paulista, como a Avenida Paulista, onde Fedora (Tatá Werneck) vai, literalmente, parar o trânsito, e a cobertura do Edifício Copan, cenário perfeito para que Leozinho (Gabriel Godoy) envolva Fedora , que fica fascinada com toda a vista da cidade de São Paulo. Também foram gravadas sequências no Vale do Anhangabaú e no Mirante Nove de Julho.

Para as cenas que se passam em frente à mansão Abdala, foi utilizado como locação o Palácio dos Cedros, no Ipiranga. A construção, inaugurada em 1923, abrigou a família do imigrante libanês Basílio Jafet. O nome do local faz referência ao jardim que circunda a residência, ornamentado por cedros, vegetação típica da região libanesa. O projeto arquitetônico do palácio mescla os estilos oriental, clássico e barroco.

Após um mês gravando em São Paulo, a equipe seguiu os trabalhos no Rio de Janeiro. Na cidade cenográfica construída nos Estúdios Globo, estão representadas as regiões paulistas da Mooca e da Vila Madalena, cenários por onde transitarão os dois núcleos principais da novela: a família de Tancinha e os Adbala, donos do complexo gastronômico e cultural Grand Bazzar.

No espaço que representa a Vila Madalena, um dos destaques é a fachada do Grand Bazzar.
“Minha inspiração para a criação desse cenário foi a obra do arquiteto francês Jean Nouvel, responsável pela construção do Instituto do Mundo Árabe, em Paris”, afirmou Juliana Carneiro, cenógrafa da novela, explicando que os cenários dos Abdala têm referências com as origens árabes da família.
Ainda na Vila Madalena, foram montados restaurantes, bares, uma livraria e uma boate, reproduzindo points da vida noturna e cultural da cidade.

No ambiente que retrata a Mooca, o destaque é a feira onde Tancinha (Mariana Ximenes) trabalha com sua mãe, Francesca (Marisa Orth), e com as irmãs, Carmela (Chandelly Braz) e Shirley (Sabrina Petraglia). Barracas de verdade, com caldo de cana, pastel e frutas foram montadas na cidade cenográfica. Um botequim, que serve de ponto de encontro dos personagens, também foi construído no local.
“Por ser uma novela leve, queríamos mostrar um subúrbio mais romântico, colorido. Fiz uma pesquisa em São Paulo buscando referências e trouxe um pouco dessa lembrança de vizinhança onde as pessoas se sentam do lado de fora das casas para conversar”, disse Claudio Duque, que também assina a cenografia da novela.

Como toda patricinha que se preze, Fedora não economiza na hora de se vestir.
“O estilo da personagem foi construído com um conceito lúdico de princesa. Como sua origem é libanesa, começamos a pensar o que seria esse mix de influências. Nas cores, nas joias, nos brilhos. Criamos um visual bem pop, inspirado em estrelas internacionais. Seu closet é composto por peças inusitadas e nada naturalistas, como plumas e peles. Ela também terá uma marca que remete ao universo pop: um brinco de estrela”, contou a figurinista Alessandra Barrios.

Tito, o cãozinho xodó dos moradores da vila onde Tancinha (Mariana Ximenes) e Apolo (Malvino Salvador) moram, vira protagonista de uma ação na internet. O mascote ganhou uma versão animada para crianças numa parceria entre GShow e Som Livre. Para o lançamento da novela, foi desenvolvido uma série de clipes, batizada de Tito Cachorrinho e sua Turma, com música e coreografia. Produtos licenciados também fazem parte do projeto.
Para a construção do universo onde o cão vai circular na animação, cenários similares aos da novela foram criados a partir de uma pesquisa feita sobre a trama e os personagens que interagem com ele – já que ele recebe cuidados de toda a vizinhança.
Enquanto na TV Tito vive em meio a adultos, no desenho animado ele será um filhote e terá a companhia de outros bichos como a gata Mimi, a ave Bem-Te-Vilson e um grilo fêmea, a Griladinha. O quarteto de animais dança, pula e faz a coreografia de uma música composta por uma equipe da Som Livre e gravada pela cantora gaúcha Francine Porto. Para reforçar a conexão entre o cão da dramaturgia e o do desenho, um elemento comum foi escolhido: ambos usam uma coleira com um guizo no pescoço. O clipe estreia em um canal da Som Livre no YouTube, além de estar no GShow e no Globo Play. O Gshow ainda vai oferecer diversos conteúdos sobre o Tito, como bastidores de gravações do cachorro da novela, making of da criação do desenho e da música etc.

Alguns personagens e seus intérpretes das duas novelas, Sassaricando e Haja Coração: Tancinha (Cláudia Raia/Mariana Ximenes), Apolo (Alexandre Frota/Malvino Salvador), Beto (Marcos Frota/João Baldasserini), Fedora (Cristina Pereira/Tatá Werneck), Leonardo Raposo (Diogo Vilela/Gabriel Godoy), Aparício Varela (Paulo Autran/Alexandre Borges), Rebeca (Tônia Carrero/Malu Mader), Penélope (Eva Wilma/Carolina Ferraz), Leonora (Irene Ravache/Ellen Roche), Teodora Abdala (Jandira Martini/Grace Gianoukas), Aprígio/Agilson (Laerte Morrone/Marcelo Médici), Lucrécia (Maria Alice Vergueiro/Cláudia Jimenez), Camila (Maitê Proença/Ágatha Moreira), Guel/Giovanni (Edson Celulari/Jayme Matarazzo), Aldonza/Francesca (Lolita Rodrigues/Marisa Orth), Ricardo/Guido (Carlos Zara/Werner Schünemann), Adonis (Rômulo Arantes/José Loreto), Isabel/Carmela (Angelina Muniz/Chandelly Braz), Juana/Shirley (Denise Milfont/Sabrina Petráglia), Tadeu/Henrique (Roberto Bataglin/Nando Rodrigues), Ariovaldo (Marco Miranda/Duda Mamberti), Dinalda (Stella Freitas/Renata Augusto).